En adaptant Le Sommet des dieux de Jiro Taniguchi, Patrick Imbert s’est frotté à une montagne mais en a ressorti une œuvre animée d’une beauté rare, emmenant le spectateur dans un voyage d’une intensité magnifique, captée par la passion de ses personnages tout comme la précision de sa réalisation. Vertigineux. 

Il aura fallu plus de cinq ans à Patrick Imbert et son équipe pour sortir un film d’animation du manga de Taniguchi, lui-même adapté d’un roman de Baku Yumemakura. Primé au Festival d’Angoulême en 2005, l’œuvre de Taniguchi a obtenu un franc succès en France et ce n’est finalement pas un hasard si l’industrie cinématographique animée française s’est penchée dessus, dressant une rencontre particulière entre le style de Taniguchi et celui qui constitue la trace visuelle du film d’Imbert, empruntant beaucoup à la bande dessinée belge. Le résultat est absolument saisissant. Fort de personnages parfaitement bordurés et aux contours précis, le long-métrage s’appuie sur une identité visuelle assez unique qui permet à la réalisation de s’engouffrer dans une originalité folle, dont les risques salutaires ne sont pas sans rappeler ceux pris par les nombreux alpinistes gravissant les sommets. De l’aveu même de la conclusion du film, dont nous ne dévoilerons rien pour préserver une certaine mystique si propre à l’alpinisme, gravir semble être le bon terme puisque l’alpiniste n’atteint pas un sommet mais le franchit, telle une étape supplémentaire dans une quête sans fin vers un Olympe indéfini que seuls les vrais passionnés semblent comprendre sans pouvoir l’expliquer. A vrai dire, l’explication se trouve dans la pratique elle-même. Il faut voir et vivre pour comprendre. Mettre des mots dessus semble vain, tant les émotions racontent plus que les textes.  

Et peut-être que s’ils étaient revenus et qu’ils avaient raconté, George Mallory et Andrew Irvine n’auraient pas eu droit à la même postérité. Ils auraient certes été les premiers à dompter l’Everest (peut-être même qu’ils sont les premiers), mais leur entrée dans l’histoire de l’alpinisme et la légende qui colle à leur peau tiennent aussi au mystère entourant cette ascension de 1924 et de laquelle il manque des éléments-clés. Comme cet appareil photo Kodak qui s’avère être le point de départ du Sommet des dieux et qui, dans la réalité, n’a jamais été retrouvé. Dans la fiction, on prend le parti pris que celui-ci l’a été et qu’il se trouve dans les mains d’Habu Jôji, grand alpiniste japonais, qui a disparu depuis plusieurs années et que Fukamachi, journaliste, tente alors de retrouver après l’avoir furtivement aperçu à Katmandou au Népal. Si l’ombre de Mallory et Irvine plane tout le long du film, la véritable histoire se situe dans cette quête, ou plutôt ces quêtes. 

A la fois celle de Fukamachi, cherchant désespérément à mettre la main sur l’appareil photo, puis sur Jôji lorsque, après avoir retracé le fil de son histoire, il se prend de fascination pour ce personnage et tente de le cerner, de le comprendre. Mais aussi celle de Jôji, alpiniste de talent, promis à un avenir brillant dans le milieu, mais toujours rattrapé par les malheurs qui forgeront ses démons futurs et fermeront encore plus son caractère. Si ces quêtes diffèrent, elles ont cependant en commun un élément : l’obstination. Et même ce terme ne semble pas assez fort pour toucher la réalité de la rencontre de ces deux expériences qui se retrouvent en un point, deux destins qui finiront par se croiser un soir dans les rues de Katmandou, lançant alors la trame d’une fantastique histoire. 

L’effet du Sommet des dieux sur le spectateur ne tient cependant pas seulement à la qualité de son scénario ou bien même à la force et l’ambition de sa réalisation. Il y a, dans cette adaptation, un certain respect envers ces êtres humains réalisant des exploits qui ne seront jamais à la portée de tous, comme une vocation qui s’inscrirait en eux dès la naissance, bien que le film nous montre que les exploits sont aussi construits à travers les drames de la vie. Il y a une grande dignité dans les personnages et l’on touche à une vision moins stéréotypée de l’alpinisme, moins glorieuse, tant l’histoire ne semble retenir que ceux qui réussissent dans ce milieu, faisant de ceux qui échouent des oubliés ou pire, des prétextes au mystère. On pourrait penser se diriger vers une telle approche avec Habu Jôji mais la force du Sommet des dieux est de nous emmener dans un double récit : la quête présente de Fukamachi et l’histoire passée de Jôji. Ce dernier ne devient plus alors le mystère sur lequel tout le monde émet un avis mais une personne, dotée d’une sensibilité, d’un parcours, d’un récit de vie, mis en lumière par Fukamachi. Le journaliste n’est autre que nous, spectateurs, s’éloignant du voyeurisme pour entrer plus en profondeur dans l’analyse de ce personnage complexe, s’éloignant alors également des on-dit et des pensées communes que tout le monde semble savoir de lui. 

Plus on approche de la fin, plus on semble frôler du bout des doigts la réponse que l’on cherche : pourquoi font-ils cela ? Cependant, avec une grande subtilité, le film ne répond pas à cette question puisque celle-ci n’a de réponse que l’expérience vécue. Cette expérience est solitaire, la gloire n’est rien. Les alpinistes la vivent surtout pour eux-mêmes, ne cherchant pas vraiment de but mais trouvant un sens qui les conduit à vouloir toujours plus. On pourrait voir l’alpinisme comme une compétition, la voie prochaine étant toujours celle de l’exploit, de l’inconnu et de l’irréalisable. Mais l’alpiniste se bat surtout contre lui-même, il est en compétition avec son propre corps, dont il fait don de manière quasi sacrificielle, et son propre esprit pour viser plus loin, plus que plus haut, car la hauteur de l’exploit a des limites (8848 mètres) que sa longueur et sa portée n’ont pas. Habu Jôji est peut-être un personnage fictif n’ayant jamais existé, mais il représente bien ces obstinés, que l’on prendrait au premier abord pour des fous. Ils exercent dans une solitude qui les place seuls face à la montagne, prisonniers de leur propre passion, parfois emportés dans celle-ci, essayant toujours de se rattacher à la corde, souvent seul compagnon de leur aventure, seul témoin de leur volonté de se raccrocher à la vie. Le Sommet des dieux entend présenter l’alpinisme tel qu’il est, philosophant sur cette pratique et arrivant à la conclusion que l’Olympe n’est atteint par ces gens que lorsque la montagne a décidé pour eux qu’il était temps d’enfin rejoindre le sommet sans le gravir et d’y reposer au contact de la neige déposée sur les cimes. Le mystère semble peut-être se résoudre ici car le but ultime de cette quête de sens que présente l’alpinisme ne se situe dans aucune explication. La vraie réponse ne se trouve pas dans un carnet de voyage mais dans les montagnes elles-mêmes, car ceux qui semblent la détenir sont ceux qui n’en sont jamais revenus et qui ont, au détour d’un couloir ou d’une voie, trouvé le repos éternel dans le lit de leur raison de vivre. 

Nicolas MUDRY

Josh Staub travaille dans l’animation pour Netflix après avoir passé plusieurs années chez Disney. Depuis 2018, il est également membre de l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS), autrement dit l’Académie des Oscars. Peu après la 93ème cérémonie du 25 avril 2021, j’ai eu l’honneur de m’entretenir avec lui pour parler de son parcours, son rôle en tant que membre de cette académie ainsi que ses votes pour les Oscars 2021. Voici la deuxième partie de cet entretien où le cinéaste commente ses choix pour chaque catégorie de la dernière cérémonie.

Meilleur film 

“D’abord, une chose que vous ne savez peut-être pas sur le processus de vote pour Best Picture. Avec toutes les autres catégories, vous prenez un choix. Pour Best Picture, vous pouvez lister huit films, vous pouvez les lister par ordre de préférence. Généralement, la façon dont j’aborde ce processus c’est que n’importe quel film que je trouve méritant pour être Best Picture – peut-être pas mon top 1, mais si je pense que le film mérite d’être dans la discussion, je le prends. Mais j’ai choisi cinq films cette année. Et c’est la même chose pour les tours précédents. Quand vous les mettez, vous les classez. Donc, j’ai voté – et j’ai adoré ces cinq films mais j’ai mis Sound of Metal pour Best Picture. J’ai placé Nomadland en numéro deux. The Father en numéro trois. Minari en numéro quatre et Judas and the Black Messiah en numéro cinq. Je les ai trouvés tous magnifiques mais Sound of Metal en premier”. 

Meilleur réalisateur

“Meilleur réalisateur, Nomadland. J’ai vraiment adoré Nomadland et j’ai aimé les autres films de Chloé Zhao. J’ai trouvé que celui-ci était un pas de géant en avant en termes d’exécution globale. J’ai aimé ces autres films mais je sentais que parfois c’était inégal pour moi. Cette façon de mélanger acteurs et non-acteurs, parfois cela me sort du film mais cela n’a pas été le cas pour cette œuvre. C’était une histoire, une étude de personnage que je n’avais jamais vue avant, ce que j’ai apprécié”. 

Meilleur acteur

“Meilleur acteur, j’ai voté pour Riz Ahmed. Je ne suis absolument pas déçu qu’Anthony Hopkins ait gagné. Je l’ai trouvé incroyable et phénoménal et il l’est toujours. J’ai adoré Chadwick Boseman en tant qu’acteur et en tant qu’être humain mais je n’ai pas senti personnellement que c’était une performance dans un premier rôle et je n’ai pas trouvé que c’était sa meilleure performance [pour Ma Rainey’s Black Bottom, ndlr]. Je ne me suis pas dit : « Wow, quelle performance ! ». Mais je me suis dit ça par rapport à Riz Ahmed et Anthony Hopkins”. 

Meilleure actrice

“J’ai voté pour Frances McDormand. Je pense qu’elle est exceptionnelle et toujours exceptionnelle. J’ai trouvé que Carey Mulligan…c’est drôle parce que quand j’ai vu Promising Young Woman, je me suis dit que c’était une bonne performance et ensuite j’ai vu The Dig, genre deux jours plus tard, et je me suis demandé comment c’était possible que ce soit la même personne. C’est incroyable et cela m’a fait encore plus apprécier Carey Mulligan dans les deux films, plus qu’avant. Mais en fin de compte, j’ai vraiment trouvé que Frances McDormand habitait son personnage [dans Nomadland, ndlr] comme elle l’a toujours fait d’après mon opinion”. 

Meilleur acteur dans un second rôle

“Meilleur acteur dans un second rôle, je l’ai donné à Daniel Kaluuya [pour Judas and The Black Messiah, ndlr]. Je trouve que LaKeith Stanfield est phénoménal aussi. Cela est intéressant parce que j’ai toujours senti personnellement que Daniel Kaluuya ou LaKeith Stanfield aurait pu concourir pour la catégorie « Lead Actor » parce que j’ai trouvé que c’étaient les performances principales et qu’ils menaient le film. Je n’aurais également pas eu de problème si Paul Raci avait gagné parce que je l’ai adoré dans Sound of Metal. Je l’ai trouvé incroyable et c’est le genre de performance où je me demande : « est-ce qu’il est vraiment un acteur ? ». Je pense qu’il était phénoménal mais finalement j’ai trouvé que Daniel Kaluuya crevait l’écran”. 

Meilleure actrice dans un second rôle

“J’ai voté pour Olivia Colman. Je crois que je suis gaga d’Olivia Colman dans tout ce qu’elle fait, elle est juste très forte. The Father est un merveilleux film et elle est incroyable dedans. Pour être honnête, Youn Yuh-jung dans Minari, j’ai trouvé qu’elle était incroyable également et j’ai adoré le fait qu’elle gagne. C’était presque un win-win pour moi. Je n’étais pas déçu. Même si je savais que la plupart des gens pour qui j’ai voté cette année n’allaient pas gagner, je n’ai pas été déçu par les vainqueurs. Je ne me suis jamais dit : « Oh non, je n’arrive pas à croire que cette personne ait gagné ». Je les ai tous appréciés. Ainsi, j’ai trouvé qu’elle était très bonne dans Minari aussi, donc j’ai été très content pour elle”. 

Meilleur scénario original

“Sound of Metal. J’ai voté pour Sound of Metal et j’étais… j’ai compris en quelque sorte pourquoi Promising Young Woman a gagné. Je pense que c’était unique et courageux mais j’ai tellement adoré Sound of Metal et c’était une histoire que je n’avais jamais vue auparavant. En fait, peut-être que ça m’a biaisé, mais je prends des cours de langue des signes, je suis intéressé par la langue des signes et je suis familier avec les implants et les controverses qui les entourent dans la communauté des personnes sourdes et malentendantes. Donc, j’étais déjà intrigué et le film m’a juste ébloui. J’ai trouvé qu’il était brillant”. 

Meilleur scénario adapté

“Ok, pour celui-là vous allez peut-être être surpris, j’ai voté pour The White Tiger. Je l’ai trouvé vraiment incroyable, vraiment différent également et je souhaitais aussi que l’acteur principal soit nommé, il était phénoménal. La diversité de sa performance m’a complétement séduit. J’aurais aimé qu’il obtienne plus de soutien de la part des autres membres de l’Academy parce que j’ai trouvé que c’était vraiment un bijou. Je ne sais pas si tout le monde l’a vu mais j’ai adoré donc j’ai voté pour lui. Une chose intéressante, c’est que mon fils – il est également un réalisateur, il est à l’USC Film School – a pensé que Nomadland et Borat sont presque des documentaires, ils ne sont pas écrits mot pour mot. Donc, le fait qu’ils concourent pour cette catégorie est un peu bizarre parce que dans les aspects du scénario, la plupart du contenu est improvisé”. 

Meilleur montage

“Meilleur montage, j’ai voté pour… oh, c’est intéressant, je n’ai pas réalisé que j’avais fait ça. J’ai voté pour The Father et Sound of Metal a gagné. Donc, Sound of Metal vainqueur, j’étais très heureux. Mais j’ai trouvé que la structure de The Father repose beaucoup sur la façon dont ça été monté et cela était vraiment unique. C’était basé sur une pièce de théâtre mais cela ne ressemblait pas à une pièce de théâtre. Beaucoup de films basés sur des pièces restent très théâtraux une fois adaptés au cinéma. Ce n’est pas le cas de The Father, cela reste très cinématique et le montage dessine tout le tableau. C’était très intelligent la façon dont c’était construit donc je l’ai trouvé très surprenant. Mais encore une fois, j’ai adoré Sound of Metal donc j’étais content qu’il gagne”. 

Meilleure photographie

“J’ai voté pour Mank. Pour être honnête, je n’ai pas passé un bon moment en le visionnant. Cela m’a pris beaucoup de temps pour rentrer dedans et je n’aime pas tellement les films avec un look vintage habituellement. Mais j’ai trouvé que Mank faisait un bon job pour ressembler à Citizen Kane. J’avais l’impression de regarder une œuvre de cette époque et j’ai apprécié ça. Je ne suis pas déçu que Nomadland ait gagné… [je lui fais alors remarquer que c’est bien Erik Messerschmidt qui a créé la surprise en s’imposant pour son travail sur Mank, ndlr] Oh ! Oui, désolé ! L’opposé ! J’ai voté pour Nomadland et Mank a gagné. J’ai trouvé que Nomadland était magnifique. J’imagine que j’étais content que Mank gagne. Mon fils aime rappeler que Nomadland a été photographié dans quelques superbes endroits et comme c’était difficile à faire. Mais je pense que c’était brillamment exécuté. J’ai également trouvé que dans Judas and the Black Messiah, la cinématographie était extraordinaire et probablement la plus unique d’entre toutes, donc cette catégorie était dure et vous pouvez même le savoir par vous-même en voyant à quel point je ne me souvenais plus ce pour quoi j’avais voté. Mais j’aurais pu me voir choisir Judas and the Black Messiah aussi, c’était dur”. 

Meilleurs effets visuels

“J’ai voté pour Tenet. Tenet a gagné. J’ai trouvé que c’était vraiment excellent, parfaitement maîtrisé. Toutes les séquences à l’envers, c’était juste incroyable et je pense que c’était brillant. Ils ne l’ont pas mis sur la plateforme de l’Academy, il n’était pas autorisé à être sur la plateforme pendant un long moment. J’étais impatient qu’il soit ajouté et je me demandais : « Comment suis-je capable de le visionner ? ». Et ensuite il a été ajouté, j’étais content mais il a disparu dans la foulée avant de réapparaître. Donc je pense qu’il se passait quelque chose en coulisses. Mais en fin de compte, je trouve que c’était le plus méritant, c’était un challenge intéressant et il a été bien accompli”. 

Meilleurs décors

“J’ai voté pour Mank et il a gagné. Je n’ai pas senti cette année qu’un film m’a ébloui en termes de décors et je suis un chef décorateur. Beaucoup étaient des films historiques et, encore une fois, mon fils rappelle que ce n’est pas parce qu’un film se situe dans une période historique qu’il doit gagner. Mais j’ai trouvé que Mank était très bien exécuté”. [Je lui fais remarquer que les décors dans Emma étaient également très bons, bien que non nommés, ndlr]. Moi aussi ! Moi aussi ! Je pense que j’aurais sûrement voté pour Emma s’il avait été nommé. J’ai trouvé que c’était bien et en réalité j’ai voté… attendez, c’était nominé pour… oui, j’ai voté pour Emma dans Costumes”.

Meilleurs costumes et meilleurs maquillages et coiffures

“Donc, c’est intéressant parce que je me rappelle les costumes dans Emma et généralement je ne me souviens pas très bien des costumes ou des maquillages et des coiffures. Mais je me souviens d’eux pour Emma et à quel point ils étaient uniques. Et pareil pour maquillages et coiffures. Je n’ai pas été un grand fan de Ma Rainey’s Black Bottom en tant que film pour être honnête – au passage, j’ai trouvé que Viola Davis était phénoménale – mais ce film, ce qui me reste en tête, ce sont les maquillages et les coiffures, genre son maquillage… quand je pense à ce film, je pense à comment elle paraissait. Tout le monde semblait un peu transpirant si vous voyez ce que je veux dire. Il faisait chaud, c’était humide et tout le monde transpirait et son maquillage restait impeccable. Quand je pense à ce film, je pense à ça donc je devais voter pour lui”. 

Meilleur son

“Son, j’ai définitivement voté pour Sound of Metal, oui. C’est crucial, si crucial. C’est un autre personnage dans le film”. 

Meilleure musique 

“Je dois checker pour être sûr…J’ai voté pour Soul. Oui, j’ai trouvé que c’était vraiment beau. Je suis un grand fan de Jon Baptiste, c’était vraiment très beau”. 

Meilleure chanson originale

“J’ai voté… c’était une catégorie difficile à mon opinion. J’adore la musique, j’en fais. J’ai voté pour Speak Now de One Night in Miami. C’était excellent mais je ne suis pas déçu que Fight for You ait gagné. J’ai vraiment aimé cette chanson et, autre chose par rapport à la cérémonie, le fait que les chansons aient été diffusées avant la cérémonie. C’était un choix intriguant et je ne le savais pas alors que je suis un membre de l’Academy. Je ne savais même pas que cela allait se passer comme ça donc je ne regrette pas d’avoir allumé la télé un peu plus tôt afin de voir les performances de Speak Now et Fight for You. Et je crois que cela aurait été mieux de les laisser pendant la cérémonie”. [Je lui dis alors que j’ai adoré Husavik, ndlr] Moi aussi ! Vous savez, je dois le dire mais je pense que c’était une magnifique chanson et je l’écoute toute seule en dehors du film, même si je trouve que la voix de Will Ferrell ruine un peu le tout. Je sais qu’il est dans son personnage et c’est supposé être drôle mais cela me gêne, il y a une ligne dedans où je suis : « Ooooh, noon, nooon ! ». Encore une fois, il est dans son personnage donc… aussi, une autre raison pourquoi j’ai pensé voter pour celle-là c’est que le film repose sur cette chanson, elle est vraiment cruciale pour l’histoire donc j’ai sérieusement considéré à voter pour elle”. 

Meilleur film international

Oh ! Celui-là est si…Ok, donc j’ai voté pour Better Days. Je trouve que Better Days était très bon. J’ai aimé Another Round mais je ne l’ai pas trouvé particulièrement spécial, du style : « Wow ! C’est vraiment exceptionnel ! ». J’ai juste trouvé que c’était un bon film. J’ai adoré Collective, je l’ai vu à Sundance l’année dernière et cela est resté ancré en moi. Mais je dois dire que ce n’étaient pas mes choix pendant le premier tour. J’ai adoré Apples de la Grèce, j’ai trouvé que c’était incroyable. J’ai adoré le film français, Two of Us. Je l’ai trouvé magnifique. En réalité, j’ai voté pour Apples, Two of Us, Hope, qui est le film de Stellan Skarsgard, Beginnings, l’entrée géorgienne, qui m’a ébloui, difficile à voir mais je l’ai trouvé magnifique. Film international est littéralement ma catégorie préférée. Vous pouvez le savoir juste par le temps que j’ai pris pour en parler au début de l’interview mais c’est juste ma catégorie préférée. La chose à propos de laquelle je suis le plus heureux en tant que membre de l’Academy est que c’est littéralement le meilleur film de chaque pays et le fait que j’ai la possibilité de tous les regarder me rend extatique. Chaque année, il y a des films que j’adore et qui ne sont pas nominés et j’essaye d’en parler à tout le monde mais ils sont si difficiles à visionner vous savez, au moins aux Etats-Unis. Cela devient de plus en plus facile avec Netflix, Hulu, Amazon Prime… parfois ils sont diffusés sur ces plateformes. Un film que j’adore d’il y a deux ou trois ans… j’étais un fervent défenseur de The Guilty. The Guilty est l’un de mes films préférés, je pense que c’était juste incroyable et celui-là, j’ai pu connaître le réalisateur, l’acteur et le producteur du film et j’ai dit à toutes les personnes que je connais au sein de l’Academy qu’ils devaient absolument voir ce film et il a été shortlisté mais il n’a pas été nommé et j’ai été tellement déçu, mais je donne un cours à l’USC Film School et pour des crédits supplémentaires, je donne un film à voir chaque semaine et The Guilty est toujours mon premier film pour la première semaine de cours”. 

Meilleur film d’animation

“J’ai voté pour Soul, je l’ai trouvé excellent. Pete Docter est mon modèle en tant que réalisateur de films d’animation. Il essaye de réaliser des choses qui ne sont pas caricaturales. Elles invitent plus à réfléchir, donc il n’apparaît pas surprenant que j’adore les films de Pete Docter, qui essayent d’aborder des idées que l’on ne voit pas habituellement dans l’animation. J’ai adoré Soul mais j’ai trouvé Wolfwalkers très cool. J’ai vraiment aimé son style et j’adore vraiment l’équipe de Cartoon Saloon. J’ai pu en connaître certains il y a quelques années lors d’un festival à Amsterdam et je trouve qu’ils font vraiment des choses intéressantes. Mais, cette année, je devais voter pour Soul”. 

Meilleur documentaire

“J’ai vraiment des opinions très tranchées sur les documentaires. Mes trois documentaires préférés cette année ont été Collective, Boys State et Dick Johnson Is Dead. J’ai encore regardé Dick Johnson Is Dead hier soir d’ailleurs avec ma famille qui ne l’avait pas vu. Et j’ai vu Boys State à Sundance et je l’ai vu à nouveau il n’y a pas très longtemps. Et j’ai aimé The Mole Agent aussi. Je l’ai visionné hier soir encore également. Je vous ai dit que je regardais beaucoup de films. J’ai adoré Crip Camp aussi mais j’ai voté pour Collective. J’ai trouvé My Octopus Teacher adorable et intéressant mais… Dick Johnson Is Dead est juste le documentaire ultime, il est tellement intéressant. C’est drôle parce qu’il était à Sundance et cela ne m’intéressait pas de le voir parce que la façon dont il était présenté… l’affiche ne me disait rien mais c’est juste un excellent documentaire, j’ai pleuré en le regardant, vous devez absolument le voir”. 

Meilleur court-métrage de fiction.  

“J’ai voté pour The Letter Room. En fait, j’ai aimé tous ces films. J’adore les courts-métrages juste en tant que genre. J’ai réalisé beaucoup de courts dans ma carrière donc j’adore le storytelling concis, comment vous devez être très direct et développer vos personnages très rapidement. Vous devez être très efficace. Donc, j’ai aimé The Letter Room. J’ai aimé Two Distant Strangers, je l’ai trouvé très courageux et intéressant, donc je suis content qu’il ait gagné”. 

Meilleur court-métrage documentaire

“J’ai voté pour A Concerto Is a Conversation. Tous étaient très bien faits mais j’ai un faible pour la musique et j’adore les histoires de personnes s’efforçant de créer des choses artistiques et les challenges qu’ils doivent affronter pour atteindre leur but. Et j’adore les histoires familiales, les histoires de sacrifice pour réaliser son rêve artistique. Donc il m’a touché droit au cœur. Mais encore une fois, j’ai trouvé qu’ils étaient tous très bons. Hunger Ward était si bien aussi, si difficile à regarder parce que c’est à propos d’une chose réellement horrible. Mais j’ai l’impression d’avoir vu ce genre de films auparavant même si je l’ai trouvé très bien exécuté et challengeant. J’ai juste trouvé que A Concerto Is a Conversation était surprenant et différent”. 

Meilleur court-métrage d’animation

“Meilleur court-métrage d’animation, je l’ai donné à If Anything Happens I Love You. Ces courts étaient si différents les uns des autres mais j’ai trouvé que If Anything Happens I Love You était parfaitement réalisé – cela invitait véritablement à réfléchir – et surprenant. Je n’ai pas vu la fin venir, je n’ai pas tout de suite vu sur quoi portait l’histoire. J’ai trouvé qu’il était très bon”. 

Propos recueillis par Nicolas Mudry

Josh Staub travaille dans l’animation pour Netflix après avoir passé plusieurs années chez Disney. Depuis 2018, il est également membre de l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences (AMPAS), autrement dit l’Académie des Oscars. Peu après la 93ème cérémonie du 25 avril 2021, j’ai eu l’honneur de m’entretenir avec lui pour parler de son parcours, son rôle en tant que membre de cette académie ainsi que ses votes pour les Oscars 2021. Voici la première partie de cet entretien. 

Un retour vers le premier amour

Josh Staub n’a pas commencé à travailler directement dans le monde du cinéma même si, très jeune, différents arts le passionnent déjà. “J’adorais l’art, la musique mais – je pense que c’est cliché de dire ça – je ne croyais pas au fait que faire des films était un job”. Il s’oriente dans les jeux vidéo dès l’âge de 18 ans sans pour autant s’y épanouir. “J’ai fini par travailler dans cette industrie et j’ai réalisé que je n’étais pas vraiment un gamer. J’aime la façon dont c’est conçu, mais plutôt à travers leur storytelling, leur narration, la façon dont ils peuvent être immersifs”, précise-t-il. 

Directeur artistique du studio où il évolue depuis plusieurs années, Josh change de voie pour revenir vers ce qu’il aime depuis toujours. “J’ai réalisé que je n’étais pas plus investi que ça dans les jeux vidéo. J’adorais vraiment les films, c’était mon premier amour”, avoue-t-il sans hésitation. “Donc, j’ai réalisé un projet”, poursuit-il. “Un film par moi-même lorsque j’étais encore dans cette compagnie. J’ai conçu un court-métrage animé qui s’est qualifié deux fois pour une nomination à l’Oscar du meilleur court-métrage d’animation”. S’il ne parvient pas à être nommé, son court-métrage, The Mantis Parable (2005), s’exporte très bien dans de nombreux festivals internationaux où il parvient même à remporter quelques prix comme au réputé Palm Springs International ShortFest. Cette consécration nouvelle lui permet de faire un premier pas remarqué dans l’industrie cinématographique et de confirmer sa voie. “Cela m’a ouvert de nombreuses portes. Une fois que j’ai fait cela, je savais que c’était vraiment ce que je voulais faire, ce dans quoi j’étais intéressé”. 

De Disney à Netflix en passant par les Oscars

Fort d’un court-métrage qui n’est pas passé inaperçu, Josh Staub rejoint Disney Animation où il travaille pendant treize longues années. Il a ainsi collaboré en tant que superviseur des lumières sur des projets célèbres comme Tangled (Raiponce, 2010) ou encore Frozen (La Reine des Neiges, 2013), ce dernier remportant l’Oscar du meilleur film d’animation, mais aussi sur des projets moins connus à l’international comme les deux courts-métrages d’animation Paperman (2012) et Feast (2014), tous deux lauréats du meilleur court-métrage d’animation lors des 85ème et 87ème cérémonies. Avec ce savoir-faire en animation sur des œuvres toutes reconnues par l’AMPAS, Josh finit par recevoir le Graal. 

Comme le veut le règlement, au moins deux pairs, déjà membres de l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, le nominent, proposant son nom au collège. Mais le parcours ne s’arrête pas ici. “Quand vous apprenez cela, si vous voulez rejoindre l’Academy, vous écrivez une lettre dans laquelle vous racontez votre biographie et vos expériences”, explique le cinéaste. De la bouche de Josh Staub lui-même, cette nomination est et restera la plus grande reconnaissance qu’il a connue dans sa carrière. Cela fait désormais trois ans qu’il est membre de l’Académie des Oscars, participant chaque année aux différents votes qui permettront de définir les lauréats dans chaque catégorie de la cérémonie des Academy Awards.  

Un rôle solennel et important

Être membre de l’Academy n’est pas de tout repos, loin de là. “Je prends ma tâche de manière très sérieuse”, dit-il. “Je regarde bien sûr de très nombreux films de nombreux genres différents, et j’essaye de diversifier les formes de narration, du classique aux manières innovantes de raconter des histoires. Je pense que c’est important de s’immerger dans toutes les sortes de films qui sont réalisés afin de mieux comprendre le paysage cinématographique, afin de mieux décider ce que nous pensons être les meilleurs films”. Si l’AMPAS organise d’autres événements en dehors des Oscars, ces derniers représentent le gros morceau de ses compétences. En délivrant chaque année les statuettes dorées, elle est ainsi responsable de la remise de l’une des récompenses les plus prestigieuses de toute l’industrie cinématographique avec la Palme d’Or du Festival de Cannes, l’Ours d’Or de la Berlinale et le Lion d’Or de la Mostra de Venise. A cette tâche complexe répond un processus tout aussi complexe que Josh Staub n’a pu détailler en long, en large et en travers, se contentant des grandes lignes, forcément modifiées à cause de la pandémie de Covid-19. 

Pour certaines catégories, des shortlists sont publiées en amont de l’annonce des nominations. Les membres doivent ainsi regarder tous ces films pour être habilités à voter. Pour la catégorie Best Picture, souvent considérée comme la statuette suprême, un premier tour est organisé lors duquel chaque membre peut proposer les films qu’il souhaite, rendant les premiers votes très ouverts. Josh dévoile par ailleurs sa stratégie pour choisir lors de ce premier round car, à chaque tour, et contrairement aux autres catégories, les membres doivent classer les longs-métrages par ordre de préférence. “Généralement, s’il y a un film que j’ai vraiment adoré mais dont je pense qu’il ne sera pas beaucoup choisi par d’autres personnes, je peux le placer très haut dans ma liste. Alors que pour un film pour lequel je sais que tout le monde va voter, je peux le mettre dans ma liste mais plus bas”, admet-il. En faisant cela, il espère ainsi booster la côte de certains films dits plus “de niche” qu’il a adorés mais dont les chances de percer jusqu’aux nommés sont rares. Chaque année, Josh repart avec son lot de déceptions. “Il y a de nombreux films que je voulais vraiment voir shortlistés et nominés mais qui n’y parviennent pas, donc je veux être sûr de regarder autant de films que je peux à l’avance”, lance-t-il sans rancune. 

Sa catégorie favorite reste celle des films internationaux, qui possèdent également un système de vote différent. Chaque pays soumet en effet un seul film et différents tours de vote réduisent le paquet jusqu’à ce qu’il n’en reste que cinq, les cinq nommés pour la cérémonie. “Je ne me souviens pas exactement le nombre mais en général c’est entre 80 et 90 films par an et jusqu’à cette année, vous deviez toujours regarder un certain pourcentage de films internationaux pour ne serait-ce que voter dans le premier tour. Donc sur les 80 à 90 films, vous deviez regarder un certain pourcentage, je ne me souviens plus lequel, peut-être 15 à 20 des 80, mais vous pouviez choisir lesquels vous vouliez regarder”, détaille-t-il. “Et vous deviez prouver que vous les aviez vus au cinéma”, continue-t-il. “Et l’Académie, d’octobre à la fin de l’année, organisait des séances tous les soirs, en gros deux films chaque soir. Vous vous rendiez juste sur place pour les voir et ils notaient votre présence comme preuve, donc ils étaient très soucieux de savoir si vous les aviez vus ou non”. Avec le Covid-19, ces séances du soir ont forcément disparu, mais l’Academy avait involontairement prévu ce problème en créant une plateforme un an auparavant qu’elle a pu exploiter au maximum pour le processus de vote de la 93ème cérémonie, les cinémas étant fermés. Une chose qu’elle n’abandonnait pas cependant était bien évidemment de s’assurer que chaque membre visionne les films présents sur la plateforme afin de ne pas fausser le vote. 

Une 93ème cérémonie plus intime

Avant de passer à ses choix, je ne pouvais pas ne pas demander à Josh Staub ses pensées sur la 93ème cérémonie, la première de l’ère Covid. Celle-ci avait fait beaucoup parler, que ce soit son ambiance et sa cinématographie différentes des années précédentes, tout comme son final raté avec la catégorie “Meilleur acteur” placée en dernière au lieu de “Meilleur film”, un pari risqué d’autant plus que le regretté Chadwick Boseman n’avait finalement pas remporté l’Oscar à titre posthume pour Ma Rainey’s Black Bottom, celui-ci étant revenu à Sir Anthony Hopkins pour sa performance dans The Father. 

En tant que cinéaste lui-même, Josh Staub regarde la cérémonie d’un œil différent que le commun des mortels. “A vrai dire, je ne suis pas vraiment intéressé par le côté spectaculaire des Oscars”, avoue-t-il. “C’est peut-être parce que je suis un votant mais je me soucie plus des films et de ceux qui les réalisent”. Ainsi, il se place en contrepoids de ceux qui ne suivent la cérémonie seulement pour son glamour et s’intéresseraient moins aux discours des récompensés. “Je crois que chaque année, la chose dont la plupart des gens parlent c’est: « Oh, les discours étaient ennuyeux ». Pour moi, c’est le plus intéressant. Ce sont de vraies personnes qui sont mes pairs et j’ai envie d’entendre les challenges qu’ils ont eus au moment de concevoir le film et pourquoi ils voulaient le faire. Ca, c’est le genre de choses auxquelles je prête attention, moins le côté spectaculaire, le tapis rouge et tout ça”. 

“Pour la 93ème cérémonie, je dirais que j’ai plutôt bien aimé. Je pense que c’était légèrement différent, ce qui est approprié considérant la pandémie. Je pense que c’était approprié le fait que cela paraisse plus simple, plus intime et plus casual”, répond-il. Il note toutefois un reproche que beaucoup d’autres ont d’ailleurs fait : le manque de clips de présentation pour de nombreuses catégories comme celles des acteurs et actrices, alors qu’il est d’habitude coutume de présenter un extrait de leur performance. “Je comprends que cela puisse servir de présentation mondiale pour chaque film d’avoir un clip, c’est important, donc cela aurait pu être utile afin que chacun puisse avoir une connexion avec les films”, conclut-il. D’autant plus qu’avec la pandémie et les reports de distribution ou encore les déplacements de films prévus en salle sur des plateformes de streaming, tous n’ont pas forcément eu accès à toutes les œuvres cette année.

Nicolas Mudry